Bonn, actualmente Alemania, 1770 – Viena, 1827) Compositor alemán. Nacido en el seno de una familia de origen flamenco, su padre, ante las evidentes cualidades para la música que demostraba el pequeño Ludwig, intentó hacer de él un segundo Mozart, aunque con escaso éxito.
La verdadera vocación musical de Beethoven no comenzó en realidad hasta 1779, cuando entró en contacto con el organista Christian Gottlob Neefe, quien se convirtió en su maestro. Él fue, por ejemplo, quien le introdujo en el estudio de Johann Sebastian Bach, músico al que Beethoven siempre profesaría una profunda devoción.
Miembro de la orquesta de la corte de Bonn desde 1783, en 1787 Ludwig van Beethoven realizó un primer viaje a Viena con el propósito de recibir clases de Mozart. Sin embargo, la enfermedad y el posterior deceso de su madre le obligaron a regresar a su ciudad natal pocas semanas después de su llegada.
En 1792 Beethoven viajó de nuevo a la capital austriaca para trabajar con Haydn y Antonio Salieri, y se dio a conocer como compositor y pianista en un concierto que tuvo lugar en 1795 con gran éxito. Su carrera como intérprete quedó bruscamente interrumpida a consecuencia de la sordera que comenzó a afectarle a partir de 1796 y que desde 1815 le privó por completo de la facultad auditiva.
Los últimos años de la vida de Beethoven estuvieron marcados también por la soledad y una progresiva introspección, pese a lo cual prosiguió su labor compositiva, e incluso fue la época en que creó sus obras más impresionantes y avanzadas.
Obras de Ludwig van Beethoven
La tradición divide la carrera de Beethoven en tres grandes períodos creativos o estilos, y si bien el uso los ha convertido en tópicos, no por ello resultan menos útiles a la hora de encuadrar su legado.
La primera época abarca las composiciones escritas hasta 1800, caracterizadas por seguir de cerca el modelo establecido por Mozart y Joseph Haydn y el clasicismo en general, sin excesivas innovaciones o rasgos personales. A este período pertenecen obras como el célebre Septimino o sus dos primeros conciertos para piano.
Una segunda manera o estilo abarca desde 1801 hasta 1814, período este que puede considerarse de madurez, con obras plenamente originales en las que Ludwig van Beethoven hace gala de un dominio absoluto de la forma y la expresión (la ópera Fidelio, sus ocho primeras sinfonías, sus tres últimos conciertos para piano, el Concierto para violín).
La tercera etapa comprende hasta la muerte del músico y está dominada por sus obras más innovadoras y personales, incomprendidas en su tiempo por la novedad de su lenguaje armónico y su forma poco convencional; la Sinfonía n.º 9, la Missa solemnis y los últimos cuartetos de cuerda y sonatas para piano representan la culminación de este período y del estilo de Ludwig van Beethoven.
Las obras de Beethoven anticiparon muchos de los rasgos que habían de caracterizar la posterior música romántica e, incluso, la del siglo XX. Su producción, en efecto, se sitúa entre el clasicismo de Mozart y Haydn y el romanticismo de un Schumann o un Brahms. No cabe duda que, como compositor, señala un antes y un después en la historia de la música y refleja, quizá como ningún otro artista (a excepción del pintor español Francisco de Goya, contemporáneo suyo), no sólo el cambio entre el gusto clásico y el romántico, entre el formalismo del primero y el subjetivismo del segundo, sino también entre el Antiguo Régimen y la nueva situación social y política surgida de la Revolución Francesa.
Efectivamente, en 1789 caía La Bastilla y con ella toda una concepción del mundo que incluía el papel del artista en su sociedad. Siguiendo los pasos de su admirado Mozart, Ludwig van Beethoven fue el primer músico que consiguió independizarse y vivir de los encargos que se le realizaban, sin estar al servicio de un príncipe o un aristócrata, si bien, a diferencia del salzburgués, él consiguió triunfar y ganarse el respeto y el reconocimiento de sus contemporáneos.
Magdalena Carmen Frida Kahlo; Coyoacán, México, 1907 – id., 1954) Pintora mexicana. Aunque se movió en el ambiente de los grandes muralistas mexicanos de su tiempo y compartió sus ideales, Frida Kahlo creó una pintura absolutamente personal, ingenua y profundamente metafórica al mismo tiempo, derivada de su exaltada sensibilidad y de varios acontecimientos que marcaron su vida.
A los dieciocho años Frida Kahlo sufrió un gravísimo accidente que la obligó a una larga convalecencia, durante la cual aprendió a pintar, y que influyó con toda probabilidad en la formación del complejo mundo psicológico que se refleja en sus obras. En 1929 contrajo matrimonio con el muralista Diego Rivera; tres años después sufrió un aborto que afectó en lo más hondo su delicada sensibilidad y le inspiró dos de sus obras más valoradas: Henry Ford Hospital y Frida y el aborto, cuya compleja simbología se conoce por las explicaciones de la propia pintora.
También son muy apreciados sus autorretratos, asimismo de compleja interpretación: Autorretrato con monos o Las dos Fridas. Cuando André Breton conoció la obra de Frida Kahlo, afirmó que la mexicana era una surrealista espontánea y la invitó a exponer en Nueva York y París, ciudad esta última en la que no tuvo una gran acogida. Frida nunca se sintió cerca del surrealismo, y al final de sus días rechazó abiertamente que su creación artística fuera encuadrada en esa tendencia.
En su búsqueda de las raíces estéticas de México, rasgo que compartió con Diego Rivera y los muralistas (David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco), Frida Kahlo realizó espléndidos retratos de niños y obras inspiradas en la iconografía mexicana anterior a la conquista, pero son las telas que se centran en ella misma y en su azarosa vida las que la han convertido en una figura destacada de la pintura mexicana del siglo XX.
La obra de Frida Kahlo
La producción de la artista mexicana es un ejemplo de ese tipo de arte que sirve como poderoso instrumento con el que exorcizar la angustia de una realidad hostil. El signo trágico de su existencia, marcada por la lucha contra la enfermedad, había comenzado cuando a los seis años contrajo una poliomielitis que le dejó importantes secuelas. En 1925 sufrió un grave accidente de tráfico que le fracturó la columna vertebral y la pelvis. Además de imposibilitarle tener hijos, el accidente fue la causa de numerosas operaciones futuras y de una salud siempre precaria.
A través de la pintura, que empezó a practicar en los largos meses de inmovilidad tras el accidente, Frida Kahlo reflejaría de forma soberbia la colisión entre su ansia de felicidad y la insistente amenaza de su destrucción, a la vez que conjuraba la dualidad irreductible entre los sueños (de amor, de hijos) y la realidad (dolor e impotencia).
Durante la convalecencia del accidente, sin poder ni siquiera incorporarse, comenzó a pintar tomándose ella misma como modelo principal. Le colocaron un espejo bajo el baldaquino de su cama y un carpintero le fabricó una especie de caballete que le permitía pintar estando acostada. Éste fue el inicio de una larga serie de autorretratos, tema que ocupa el grueso de su producción, de carácter fundamentalmente autobiográfico. En una ocasión afirmó: «Me retrato a mí misma porque paso mucho tiempo sola y porque soy el motivo que mejor conozco.» En poco tiempo Frida desarrolló un vocabulario simbólico propio; con él acompañaba sus retratos para representar metafóricamente sus experiencias y sus pensamientos.
Influida por las ideas de vindicación de identidad que propagaba el nacionalismo revolucionario, Frida vestía con largas faldas mexicanas, moños trenzados con cintas de colores y collares y pendientes precolombinos. Así la encontramos en Autorretrato como Tehuana (1943, Colección Natasha Gelman, Ciudad de México), representada como mexicana «auténtica» y acentuando sus rasgos mestizos (tenía sangre española, india y alemana). Producto de esa misma ideología nacionalista son los fondos de algunas de sus obras como el Autorretrato con monos (1943, Colección Natasha Gelman, Ciudad de México), en el que su figura aparece recortada sobre plantas selváticas y rodeada de animales, o aquellos en los que retoma imágenes de la cultura precolombina, como Mi nana y yo (1937, Colección Dolores Olmedo, Ciudad de México).
Otras veces, como en Autorretrato – El Marco (1938, Museo Nacional de Arte Moderno, Centro Georges Pompidou, París), se inspira en la imaginería popular y muy específicamente en los retablos cargados de ese barroquismo ingenuo y colorista tan específicamente mexicano que conjuga vívidamente lo espectacular con lo escatológico.
Una de las formas más comunes del arte popular mexicano son los exvotos. Frida vincula a esta tradición sus cuadros de desarrollo narrativo representando de forma sintética los elementos más significativos y de mayor carga expresiva. El tamaño pequeño de los cuadros y la técnica (óleo sobre plancha metálica) proviene también de ellos.
Esta fusión entre la temática personal y las formas de la imaginería popular se encuentra expresada de forma emblemática en la obra Henry Ford Hospital (1932, Colección Dolores Olmedo, Ciudad de México). A pesar del accidente, Frida esperaba que su segundo embarazo llegara a buen término, pero su pelvis fracturada no podía acoger el desarrollo de un niño. La traumática experiencia de un nuevo aborto fue el origen del cuadro.
La adopción de las formas narrativas de los exvotos tiene su mejor ejemplo en una pieza singular titulada Retablo (1943, colección privada). Frida había encontrado un exvoto que representaba el choque entre un tren y un autobús; una muchacha herida yacía sobre las vías y la imagen de la Virgen de los Dolores flotaba sobre la escena. Añadiendo a la chica sus propias cejas y unos rótulos al tren y al autobús, lo convirtió en la representación de su propio accidente. En la parte inferior escribió: «Los esposos Guillermo Kahlo y Matilde C. de Kahlo dan gracias a la Virgen de los Dolores por haber salvado a su niña Frida del accidente acaecido en 1925 en la esquina de Cuahutemozin y de Calzada de Tlalpan.»
Tras superar algunas graves crisis de salud, y de forma idéntica a como lo hacen los creyentes con los santos de su devoción, Frida mostró su agradecimiento a los médicos mediante pinturas que siguen rigurosamente las convenciones del exvoto. Muestras de ello son las obras dedicadas al doctor Eloesser y al doctor Farill.
Pero no sólo la enfermedad fue causa de sus trastornos y metáfora de sus pinturas; los reveses de su vida afectiva también fueron tematizados en cuadros que constituyen depuradas síntesis simbólicas. En El corazón (1937, Colección Michel Petitjean, París), la ausencia de manos expresa su impotencia y desesperación ante el enredo amoroso entre Diego Rivera y su hermana Cristina. Su corazón, literalmente arrancado, yace a sus pies y posee un tamaño desmesurado que refleja la intensidad de su dolor. Junto a ella, un vestido femenino, que alude a su hermana, pende de un hilo, a la vez que de sus mangas sale un único brazo que enlaza y un palo atraviesa el hueco que ha dejado su propio corazón.
Frida y el surrealismo
La apariencia onírica de sus imágenes propiciaba la relación de su simbología con el surrealismo, algo que Frida Kahlo negaría rotundamente: «Se me tomaba por una surrealista. Ello no es correcto, yo nunca he pintado sueños, lo que yo he representado era mi realidad.»
Pero Frida no sólo rechazó el carácter surrealista de su pintura, sino que profesó una profunda aversión hacia los representantes del movimiento. Había conocido a Breton en México en 1938 y al año siguiente, en vísperas de la Segunda Guerra Mundial, pasó varios meses en París, donde tuvo ocasión de entrar en contacto con los otros surrealistas. La opinión que le merecían la expresó sin cortapisas en una carta que escribió desde allí a Nicolas Muray: «No puedes imaginarte lo joputas que son esta gente; me hacen vomitar. Son tan condenadamente intelectuales y degenerados, que ya no los aguanto más.»
Frente a las representaciones oníricas o al automatismo psíquico de los surrealistas, los numerosos símbolos que Frida Kahlo introduce en sus cuadros poseen significaciones precisas y son producto de la actividad consciente. Su obra se origina y procede de una continua indagación sobre sí misma, y manifiesta los estados de ánimo de forma precisa y deliberada, materializando las oscilaciones entre el sufrimiento y la esperanza. El carácter simbólico de su pintura da cauce a la expresión vehemente de una personalidad apasionada para la que el arte es desafío y combate, lucha violenta contra la enfermedad, pero también repliegue ensimismado hacia su yo interior y huella del reconocimiento doloroso de su identidad maltrecha.
Christy nació en Dublín, Irlanda en 1932. Fue uno de los 22 niños nacidos de sus padres. Su padre era un albañil de Crumlin y su madre era ama de casa. A minutos de nacer, los médicos descubrieron que tenía una severa parálisis cerebral que lo dejó casi totalmente paralizado.
Durante la adolescencia de Christy apareció una asistente social llamada Katrina Delahunt. Se enteró de su historia y comenzó a visitarlo con regularidad. Empezó a traerle libros, materiales de pinturas, entre otros. Él demostró un gran interés en las artes y la literatura.
Gracias a su asistente social, decidió hacer algo por él mismo y empezó a tener una impresionante habilidad física, ya que aprendió a escribir con la única extremidad que tenía… el pie izquierdo.
Gracias al apoyo de su madre, que fue una profesora para él. Echó por tierra todas las barreras que impedían su integración en la sociedad al aprender a usar su pie izquierdo para escribir y pintar.
Con el pasar de los años, Christy se recibió sin educación formal, pero asistió a la Escuela Clínica St Brendan en Sandymount. En St. Brendan entró en contacto con el Dr. Robert Collis, un conocido autor. Collis descubrió que Christy también era un novelista natural y, más tarde lo ayudó a usar sus propias conexiones para publicar “Mi pie izquierdo”, que era un relato autobiográfico de la lucha de Christy con su vida cotidiana, con su discapacidad en medio de la vibrante cultura de Dublín.
Cuando Mi pie izquierdo se convirtió en una sensación literaria, Christy se volvió famoso y comenzó a recibir cartas de admiradores, pero necesitaba ayuda para contestarlas así que contrató a Beth Moore, quién luego se convertiría en su esposa.
En 1965, Christy viajó a Connecticut para terminar su obra magna, que había estado desarrollando durante años. Finalmente lo terminó en 1967 con la ayuda de Beth. Finalmente el libro titulado “Down, todos los días” se publicó en 1970 y le permitió ser reconocido a nivel internacional. “Down, todos los días” era un ambicioso proyecto elaborado en gran parte de una expansión de Mi pie izquierdo, y se convirtió en un bestseller internacional publicado en más de 14 idiomas.
En la obra Christy utilizó la corriente de la conciencia técnica y trató de documentar la cultura de Dublín a través del uso del humor, dialectos precisos y descripción de las características intrincadas. A “Down, Todos los días” le siguieron una serie de novelas como “Una sombra en verano” (1972), “Salvajemente crecen los lirios” (1976) y “Una prometedora carrera” (publicado póstumamente en 1982).
Con el pasar del tiempo, la salud de Christy se había deteriorado y murió trágicamente a los 49 años después de atragantarse durante una cena. Para más información, podés ver la película “Mi pie Izquierdo” de Jim Sheridan, del año 1989.
(Groot-Zundert, Países Bajos, 1853 – Auvers-sur-Oise, Francia, 1890) Pintor holandés. En las décadas finales del siglo XIX, el impresionismo marcó el inicio de una profunda renovación de las artes plásticas que tendría continuidad en la sucesión de ismos o corrientes del arte contemporáneo. Algunos de los mejores maestros de este periodo, sin embargo, no pueden encasillarse en ninguna escuela, y abrieron por sí solos nuevos caminos; entre ellos, el holandés Vincent van Gogh ocupa una posición señera.
Encarnación del artista torturado e incomprendido, Van Gogh no llegó a vender más que uno de aquellos centenares de cuadros suyos que actualmente alcanzan desorbitadas cotizaciones en las subastas. El reconocimiento de su obra no empezó hasta un año después de su muerte, a raíz de una exposición retrospectiva organizada por el Salón de los Independientes; en nuestros días, Van Gogh es considerado unánimemente uno de los grandes genios de la pintura moderna. Su producción ejerció una influencia decisiva en todo el arte del siglo XX, especialmente en el fauvismo y el expresionismo; y tras más de un siglo de experimentos artísticos, la pincelada tosca y atormentada del artista holandés, alimentada por el vigor de su pasión interior, conserva toda su fascinante fuerza expresiva.
Biografía
Vincent van Gogh era el mayor de los seis hijos de un pastor protestante, y mantuvo con su hermano Theo, cuatro años menor que él, una relación que sería determinante en su existencia y en su trayectoria artística. La correspondencia que ambos intercambiaron a lo largo de sus vidas testimonia la intimidad de esta relación y las pasiones y angustias humanas y creativas que atormentaron a Van Gogh en sus últimos años. Tras recibir una esmerada educación en un internado privado, a los dieciséis años entró como aprendiz en la filial de La Haya de la galería de arte parisina Goupil, una sociedad de comerciantes de arte fundada por su tío Vincent.
En 1873 pasó a la sucursal de la galería Goupil en Londres, donde hubo de padecer el primero de sus fracasos sentimentales; en 1875 fue trasladado a la filial parisina; en 1876 se despidió y regresó a Holanda. Trabajó después como profesor, ayudante de un pastor metodista y empleado de una librería; ninguno de estos empleos le duró mucho tiempo. Por aquel entonces sentía sobre todo la necesidad espiritual de entregarse a sus semejantes; de hecho, siempre había querido ser pastor, como su padre, y tal vocación lo llevó a Ámsterdam para seguir los estudios de teología, que suspendió.
Pasó entonces a la Escuela de Evangelización Práctica de Bruselas, y en 1878 fue enviado por sus superiores a la zona minera del Borinage. Establecido en el pueblo de Pâturages, próximo a Mons, realizó una serie de dibujos de los mineros. La Escuela de Evangelización lo expulsó por su excesiva implicación: impresionado por sus infrahumanas penurias, Van Gogh llegó a dar a los mineros lo poco que tenía y a vivir más pobremente que ellos.
El contacto con tal miseria y desolación socavó su fe, y Van Gogh pasó esta crisis espiritual vagando por Francia y Bélgica y escribiendo a su hermano Theo, que ocupaba ahora su antiguo empleo en la galería Goupil de París. Animado por Theo, en 1880 decidió dedicarse a la pintura y fue a Bruselas, donde conoció al pintor Anthon Van Rappard (con quien mantendría una larga relación) y llevó a cabo las primeras copias de Millet.
Tras otro fracaso sentimental con su prima Kate, conoció a una prostituta llamada Sien, cuyos infortunios despertaron su siempre infinita compasión. En 1882 vivió en Schenkweg con Sien y con sus hijos, que tomó a su cargo; seguía dibujando, y realizó sus primeros cuadros. Tras descubrir Theo su relación con Sien, rompió con ella a instancias de su hermano y marchó al norte, donde permaneció hasta finales de 1883. Fue luego a Nuenen, donde se aproximó de nuevo a su familia y pintó febrilmente; de esos dos años (1884-1885) son sus primeras telas de importancia. Cuadros como Los comedores de patatas (1885), diversas representaciones de tejedores y cabezas y figuras de campesinos forman, junto con innumerables dibujos, el conjunto de obras de esta etapa de formación.
En 1886 se reunió con su hermano en París; allí, en la capital artística de Europa, el contacto con el impresionismo reorientó visiblemente su estilo. Se relacionó con los impresionistas y postimpresionistas en la tienda de colores del «père Tanguy» (de quien pintó el conocido retrato) y descubrió el arte japonés. Su hermano le presentó a Camille Pissarro, Georges Seurat y Paul Gauguin; conoció asimismo a Toulouse-Lautrec y Émile Bernard, y bajo ese nuevo ambiente llegaría a la definición de su pintura. Su paleta se tornó definitivamente clara y colorista y sus composiciones menos tradicionales, dando forma a su personal visión del postimpresionismo.
Los consejos de su hermano y su interés por el color y por la captación de la naturaleza lo indujeron a trasladarse en febrero de 1888 a Arlés, en la soleada Provenza, donde su obra fue progresivamente expresando con mayor claridad sus sentimientos sobre lo representado y sus propios estados de ánimo. Trabajó intensamente, pintó la mayoría de sus telas más célebres y puras y escribió sus páginas más claras y profundas. Pero la soledad se le hacía insoportable, y con el propósito de formar un taller colectivo, Van Gogh alquiló una casa donde invitó a los artistas con quienes compartía intereses.
A instancias suyas, Paul Gauguin se instaló en la «casa amarilla» (así llamada por el color de sus paredes) en octubre de 1888, pero la relación fue haciéndose más y más difícil por el fuerte temperamento de ambos. En el transcurso de una discusión, Van Gogh llegó a atacar a Gauguin con una navaja de afeitar; luego, arrepentido de aquel arranque, se cortó el lóbulo de la oreja para expiar su culpa y lo hizo llegar a Gauguin, quien, lejos de conmoverse ante aquella muestra de contrición, lo juzgaba ya como un loco peligroso con el que no tenía ninguna intención de convivir. De este confuso lance (pues existen otras versiones del mismo) dan fe dos célebres autorretratos del pintor con una oreja vendada; en el segundo de ellos aparece fumando melancólicamente su pipa, ensimismado y sombrío.
Tras la marcha de Gauguin, Theo le visitó e hizo que ingresara en el hospital de Arlés. En mayo de 1889, ante el temor a perder su capacidad para trabajar, pidió ser ingresado en el hospital psiquiátrico de Saint-Rémy-de-Provence, donde permaneció doce meses. También en este período Van Gogh pintó intensamente; tras sufrir diversos ataques y ante la imposibilidad de salir al exterior, realizó obras relacionadas con el hospital, retratos de médicos y reinterpretaciones de obras de Rembrandt, Delacroix y Millet. La pérdida de contacto con la realidad y una progresiva sensación de tristeza son las claves de este período, durante el cual desarrolló un estilo basado en formas dinámicas y en el uso vigoroso de la línea, de lo cual resultó una pintura más intrépida y visionaria que la de Arlés.
Sin conseguir superar el estado de melancolía y soledad en que se encontraba, en mayo de 1890 se trasladó a París para visitar a su hermano Theo. Por consejo de éste viajó a Auvers-sur-Oise, donde fue sometido a un tratamiento homeopático por el doctor y pintor aficionado Paul-Ferdinand Gachet. En este pequeño pueblo retrató el paisaje y sus habitantes, intentando captar su espíritu. Su estilo evolucionó formalmente hacia una pintura más expresiva y lírica, de formas imprecisas y colores más brillantes.
Pese a que unos meses más tarde el doctor Gachet consideró que se encontraba plenamente curado, su estado de ánimo no mejoró; asediado por sentimientos de culpa debidos a la dependencia de su hermano Theo y a su fracaso como artista, su espíritu se encontraba irremediablemente perturbado por una tristeza inconsolable. El 27 de julio de 1890, en el silencio de los campos bajo el sol, Van Gogh se descerrajó un disparo en el pecho; murió dos días más tarde, sin haber cumplido los treinta y siete años. Al cabo de seis meses, sumido en el dolor, le siguió su hermano Theo, enterrado a su lado en el pequeño cementerio de Auvers.
La obra de Van Gogh
Menos de diez años de dedicación a la pintura bastaron para otorgar a Van Gogh un lugar entre los genios de la historia del arte, y es difícil imaginar cuál hubiera sido su aportación de no haber truncado él mismo su trayectoria. Debe decirse, sin embargo, que su dedicación fue tan breve como ardiente: componen su legado más de ochocientos cuadros, además de numerosos dibujos y aguafuertes. Las obras realizadas antes de su estancia en París conforman lo que podría llamarse el periodo oscuro del pintor; de hecho, sus primeras telas importantes datan de los dos años inmediatamente anteriores a su llegada a la capital francesa (1884-1885). Admirador entusiasta de Millet, Van Gogh retrató con rudeza en estas primeras obras el sufrimiento de los trabajadores humildes sometidos a considerables esfuerzos físicos y sus miserables condiciones de vida.
La obra más ambiciosa y que mejor refleja esta etapa del pintor es Los comedores de patatas (1885, Museo Vincent van Gogh, Ámsterdam). Cinco personajes se reúnen a las siete de la tarde en un lúgubre comedor para tomar patatas y café. Con crudeza y dramatismo, Van Gogh transmite en los rostros deformados una miseria sin esperanza. Una tenue lámpara de gas ilumina levemente los alimentos, la mesa y los cuatro personajes del fondo. En primer plano, a contraluz, se halla una mujer en una escala exageradamente reducida.
Las facciones son caricaturescas, los cuerpos deformes y el ambiente claustrofóbico. Desde el punto de vista formal, la obra se caracteriza por pinceladas gruesas y agitadas en tonos muy oscuros. La identificación del artista con el sufrimiento de los pobres y marginados encuentra su vehículo en esta inmediatez de los medios pictóricos utilizados, totalmente ajenos a los convencionalismos academicistas.
En París
El mismo año que Georges Seurat presentó al público Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte (1886), Van Gogh llegó a París, donde permaneció hasta 1888. Durante esos dos años su estilo pictórico cambió de modo radical: se alejó de la tradición holandesa para inclinarse por las tonalidades claras, por los colores puros y por las pequeñas pinceladas divisionistas que le enseñaron Camille Pissarro y Paul Signac. A pesar de que sus inclinaciones por la disciplina divisionista fueron escasas, aprendió, sin embargo, la importancia de la pincelada y la yuxtaposición de colores, que utilizaría posteriormente para fines más subjetivos y personales.
Uno de los cuadros representativos de la estancia en París es el Autorretrato con sombrero de paja (1887-88, Museo de Arte Metropolitano, Nueva York). La paleta y las pinceladas evidencian la influencia del divisionismo o puntillismo, especialmente el practicado en las obras de Seurat y Signac. Van Gogh consigue en esta obra una total asimilación de los principios neoimpresionistas, y el autorretrato refleja el fuerte temperamento de quien, en diciembre de 1885, había escrito a su hermano: «Prefiero pintar ojos de seres humanos en vez de catedrales, ya que hay algo en los ojos que no está en las catedrales, no importa lo solemne e imponentes que éstas puedan ser. El alma de un hombre, así sea la de un pobre vagabundo, es más interesante para mí».
Arlés
En febrero de 1888 Van Gogh se trasladó a la localidad de Arlés, en el sur de Francia. Pretendía encontrar allí la luminosidad que tanto había admirado en los grabados japoneses. Le fascinaron el sol deslumbrante, el cielo azul intenso y la viveza de los colores. Realidad y pintura parecían ponerse de acuerdo; atrás quedaban los cielos cubiertos de Holanda, Bélgica y París. En Sembrador con el sol poniente (1888, Museo Vincent van Gogh, Ámsterdam), el sol meridional irradia los campos con su energía, mientras un campesino -inspirado en Millet- siembra la tierra. La obra expresa la alegría del autor ante un lugar que estimuló su fuerza creativa y le permitió avanzar en su trabajo artístico.
Van Gogh intentó convencer a Émile Bernard y Paul Gauguin para que se trasladaran a vivir a este paraíso meridional y crear, así, una pequeña comunidad de artistas. Vincent se dejó seducir por los contornos nítidos y los extensos planos de color puro que caracterizaba el estilo de sus compañeros, y se dejó influir por ellos en obras como El café de noche de Arlés (1888, Yale University Art Gallery, New Haven, Connecticut).
Pero Van Gogh, instalado en Arlés ocho meses antes de la llegada de Gauguin, había encontrado su propio estilo más allá del impresionismo y del divisionismo. Las divergencias y enfrentamientos entre ambos artistas fueron múltiples. Gauguin rechazaba los empastes que Van Gogh utilizaba porque le parecían desordenados; se veía a sí mismo como un primitivo refinado, mientras que consideraba a Vincent un artista impulsivo y romántico.
En una serie que tenía como tema Les Alyscamps, un parque de Arlés, Van Gogh siguió los consejos de Gauguin de hacer una pintura «de memoria», inspirada en el cuadro Mujeres en el jardín (1888, Art Institute, Chicago) pintado por su compañero. Es también el caso de Mujeres de Arlés (1888, Museo del Hermitage, San Petersburgo), uno de los escasos trabajos del artista no creados al natural. Gauguin le imponía con insistencia tal procedimiento, el cual terminaría siendo otro motivo de desavenencia artística entre ambos maestros, ya que Van Gogh consideraba que el trabajo al natural era el único medio a través del cual podía expresar sus ideas.
Mujeres de Arlés también es conocido con el título Recuerdo del jardín de Etten (pequeña ciudad del norte de Holanda en la que trabajó el pintor algún tiempo). Probablemente fue este hecho, el del recuerdo, el que hizo innecesario el trabajo al natural. Las figuras y el paisaje se extienden sin profundidad, paralelamente a la superficie del lienzo, en zonas peculiares, de acuerdo a un método adquirido de los pintores japoneses. A primera vista parece que el cuadro está pintado en anchas extensiones de colores, pero una mirada atenta nos demuestra que estas extensiones están saturadas de pequeñas y precipitadas pinceladas, que crean el dinamismo interno de las formas y las hace sumamente expresivas. Los rostros de las mujeres, pensativos y tristes, transmiten al espectador un sentimiento de angustia.
En el plano artístico, su estancia de poco más de un año en Arlés se tradujo en unos doscientos lienzos. La habitación de Van Gogh en Arlés (1889, Museo de Orsay, París) es uno de los más célebres. Representa el dormitorio del pintor, tema que trató en varias ocasiones con el deseo de expresar la idea de un «completo descanso» a través únicamente del uso de colores claros y empastados. En él, con una extrema concisión, el pintor mostró el ambiente de la pieza, amueblada con suma sencillez con una cama, una mesa, dos sillas, un espejo, varios cuadros y dos dibujos. Una de las versiones de este lienzo fue acabada por Van Gogh en 1889, durante su estancia en el asilo de Saint-Rémy-de-Provence.
De la estancia en Arlés hay que destacar también otras obras famosísimas: Los girasoles (1888, National Gallery, Londres) formaba parte de una serie destinada a decorar el estudio donde trabajaban juntos Van Gogh y Gauguin; en algunos de los lienzos las flores están colocadas sobre un fondo azul, pero en éste todo está pintado en distintas gamas de amarillo, color que en el artista se asocia a la luz del sol y a la felicidad. Pintó también paisajes, naturalezas muertas y retratos, así como sus conocidos lienzos de campos de trigo luminosos y resplandecientes bajo un cielo azul intenso.
Los últimos años
Cuando a principios de diciembre de 1888 Gauguin realizó un retrato de Vincent, Van Gogh pintando girasoles (1888, Museo Vincent van Gogh, Ámsterdam), Van Gogh creyó ver representada su propia locura. Después, con el lance turbulento de la mutilación de la oreja (nunca del todo esclarecido) terminó una tempestuosa convivencia de dos meses y, con ella, la utopía de crear una comunidad de artistas en el sur de Francia. Todo ello lo sumió en una gravísima crisis mental que acabaría con su internamiento en un hospital.
Van Gogh sufriría desde entonces varias crisis nerviosas, aunque sólo ocasionalmente afectaron a su acelerado ritmo de trabajo; estuvo internado, primero, en el sanatorio mental de Saint-Rémy, y luego, bajo la atención del doctor Gachet, en Auvers-sur-Oise. En los varios cuadros que dedicó a su médico (como el Retrato del doctor Gachet, 1890, Museo de Orsay, París) subraya su pasividad y melancolía en un gesto plenamente romántico. Las obras de este período final acusan un fuerte contraste y reflejan su íntima desdicha y los tormentos interiores que le afligían; el tratamiento formal, nervioso y desasosegado hasta el paroxismo, las pinceladas gruesas y ondulantes y los bruscos colores de su paleta expresan su zozobra.
También en esta última etapa abundan las obras maestras; a ella pertenecen sus mejores autorretratos, entre los que sobresale el Autorretrato de 1890 (Museo de Orsay, París), que regaló al doctor Gachet. El predominio de los tonos azules contrasta con los rojos y naranjas del pelo y el rostro; azules son también los ojos, cuya mirada fija y penetrante atrae inmediatamente la atención del espectador. En cierta ocasión escribió a su hermano Theo: «Se ha dicho -y estoy dispuesto a creerlo- que no es fácil conocerse uno mismo, ni tampoco pintarse uno mismo». El cuadro es uno de los resultados culminantes del laborioso ejercicio de introspección a que se sometió Van Gogh.
Aunque también puedan encontrarse lienzos de límpido esplendor, en sus últimos paisajes la belleza natural aparece a menudo turbada por una subterránea agitación, reflejo de la ansiedad del artista. Las barracas (1889, Museo del Hermitage, San Petersburgo) presenta en apariencia un sencillo paisaje, con un campo en primer plano, un grupo de barracas, unos cerros y el cielo como telón de fondo. Sin embargo, ni una sola parcela del lienzo se halla libre de inquietud: todo está en tensión y todo se encuentra en impetuoso movimiento. El cielo, pintado con grandes pinceladas, parece precipitarse sobre los cerros, los cuales a su vez se asemejan a fuertes oleadas de agua que se abalanzan sobre las construcciones. Las imágenes de las barracas tampoco irradian tranquilidad con sus quebradas siluetas. La misma tensón posee la gama cromática: predominan los tonos verdes variados, pero de golpe un tejado casi rojo rompe el equilibrio.
En Cipreses (1889, Metropolitan Museum, Nueva York), esos infamados árboles que simbolizaron siempre la hospitalidad se yerguen como dos llamaradas desde una espesura de matas bajas, diabólicamente inquietas contra un luminoso cielo azul arremolinado de nubes blancas. Las pinceladas son espesas, se arraciman y se superponen en torbellino, y el conjunto del paisaje queda traspasado por una turbadora ansiedad. Una proyección aún más intensa de su estado de ánimo en el paisaje se encuentra en Noche estrellada (1889, MOMA, Nueva York), donde las ondulaciones sacuden una visionaria representación del cielo, reflejo de una abrumadora angustia interior. La fuerza de tales obras ha valido al artista la consideración de genial precursor del expresionismo.
No siempre fue sombrío el ánimo de Van Gogh en esta fase final. De hecho, muchas de las cartas a Theo de los últimos meses están iluminadas por una alta y feliz embriaguez creadora, por el gozo de una liberación artística finalmente alcanzada en íntima comunión con la libre naturaleza. La desazón interior convivía con una pasión creativa inextinguible y con su exacerbada sensibilidad por la belleza, y tal tensión está en la base de muchas obras. Campo de trigo con cipreses (1889, National Gallery, Londres) muestra el espíritu inquieto de un hombre al borde de la locura, pero también expresa la admiración del artista por la belleza y el poder de la naturaleza, como se manifiesta en los cipreses flameantes y en las espigas dobladas por el viento.
Análoga complejidad anímica se refleja en obras como Las lilas (1889, Museo del Hermitage, San Petersburgo). La espesa hierba y las flores del primer plano son especialmente hermosas, y los radiantes colores con los cuales está pintado el arbusto en flor suenan como un himno a la belleza y al poder de la naturaleza; pero el azul del segundo plano presenta una tonalidad tan intensa que hace pensar en el estado anímico del pintor. Cada forma pictórica y cada pincelada manifiestan el máximo de tensión: los tallos y los pétalos de las filas se retuercen como si estuvieran en el fuego.
Pero la naturaleza, que alegraba y sorprendía al maestro con su belleza, no lograba sosegar su atormentada alma. Dos semanas antes de su suicido pintó una de sus obras más sobrecogedoras, Trigal con cuervos (1890, Museo Van Gogh), que ha sido objeto de dispares interpretaciones. Un premonitorio cielo oscuro con una bandada de cuervos cubre uno de sus amados trigales, atravesado a medias por un camino cortado.
Nació el 22 de septiembre de 1958 en Lajatico, un pueblo de la campiña Toscana. Empezó a estudiar piano y posteriormente flauta y saxofón. Andrea Bocelli nació con glaucoma congénito que le dejó parcialmente ciego. A la edad de 12 años, a causa de un golpe en la cabeza durante un partido de fútbol, la ceguera se hizo total. Decidido a no dejar que esto destruyera su carrera, siguió adelante con la gran fuerza de voluntad que poseía a esa edad. Su pasión por la música le llevó a ofrecer pequeñas actuaciones en celebraciones familiares. Al terminar la escuela media, se inscribió en la Universidad de Pisa, llegando a licenciarse en Derecho, aunque en ningún momento dejó de lado su verdadera pasión. Fue capaz de compatibilizar las clases de Derecho con las clases de canto que recibió del maestro y gran tenor italiano Franco Corelli. También actuó en numerosos locales, lo que le permitió perfeccionar su técnica vocal.
En el año de la grabación de su primer demo Bocelli contrajo matrimonio con Enrica Cenzatti, a quien conoció en 1987 cuando tocaba el piano en bares.
En el 2000 Bocelli recibe dos nominaciones a los premios Grammy, realiza una gira llamada «World Tour 2000» su álbum Sacred Arias es escogido por los oyentes de una emisora de Reino Unido como el álbum del año, y se convierte en el álbum de clásicos más vendido, publicado por un solo artista. Bocelli es inscrito en el Libro Guinness de los récords quedando entre los primeros lugares, durante casi tres años y medio.
Continúa en el ámbito clásico y ya no como principiante graba un álbum en honor a su compositor favorito Giuseppe Verdi, titulado de la misma forma «Verdi«. Poco después sale a la venta «La Bohème» de otro de sus compositores favoritos Giacomo Puccini, ahora con el maestro Zubin Mehta en la dirección.
Siguiendo con el tributo a Verdi, graba el Réquiem completo junto a la reconocida soprano Renée Fleming y con el director de orquesta Valery Gergiev, un réquiem con excelente sonido contemporáneo, con la fuerza característica de Gergiev, acompañados de la Orquesta y Coros de Kirov del Teatro Mariinsky en San Petersburgo, pero con una crítica negativa hacia la participación del tenor Andrea Bocelli. A pesar de ello Andrea se enfrenta a todas las críticas con la aceptación del público y acompaña a Zubin Mehta a diferentes ciudades junto a Renée Fleming compitiendo con las demás versiones del Réquiem realizadas por maestros como Claudio Abbado y Riccardo Muti.
En el 2001, Andrea publicó su libro autobiográfico «La música del silencio» y termina el año con otro álbum pop de gran éxito: «Cieli de Toscana«. El disco es un nuevo triunfo en el pop y música clásica en todo el mundo y le permite a Bocelli ganar dos Classical Brit Awards, incluso como «Álbum del Año». Para apoyar este proyecto, Bocelli es el protagonista de una serie de conciertos que le llevó a realizar desde China hasta el Madison Square Garden en Nueva York. Bocelli es el primer cantante que ofrece un concierto frente a la Estatua de la Libertad, a pocos días de que su padre muriera, a quien dedica Sogno al finalizar el concierto, acompañándose de Sarah Brightman y la soprano Ana María Martínez. También realiza un concierto memorable en las pirámides de Egipto, convirtiéndose ya en un artista de popularidad mundial.
Su trabajo es ininterrumpido y sale a la venta otro álbum pop llamado Andrea, que rápidamente logra tener éxito con canciones como «Dell’amore Non Si Sa» del cual se realiza el video en Italia. Se incluyen además dúos como «Go Where Love Goes» con Holly Stell, «Sin Tu amor» con el último de la dinastía flamenca Gipsy KingsMario Reyes y una nueva versión de «Dellamore Non Si Sa» para el álbum Odyssey con Hayley Westenra.
En 2004, Andrea comienza a realizar giras por Asia y ya como tenor más maduro realiza Tosca, Werther y aparece el álbum Il Trovatore con la ópera completa. Además lanza un nuevo álbum totalmente Pop llamado Andrea con el que inicia una nueva gira mundial.
En 2006, lanza su CD Amore, junto a sus amigos productores David Foster, Tony Renis y Humberto Gatica, el que incluye temas con los que empezó su carrera por los bares de Italia. Canta en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos en Turín, Italia con el tema Because We Believe de su álbum Amore. Inaugura el Teatro del Silenzio con un concierto totalmente clásico, ubicado en su ciudad natal Lajatico y cierra el año presentándose en ciudades de EE. UU. y en la Ciudad de México acompañado de Armando Manzanero. Junto con este álbum se incluyen varias versiones en italiano, inglés y una totalmente en castellano únicamente para los países latinos con canciones como «Bésame Mucho», «Somos Novios» al lado de Christina Aguilera, «Verano» con Chris Botti, «Me faltas» con Kenny G, «Las Hojas Muertas» con Veronica Berti, «Canción Desafinada» con Stevie Wonder, entre otras, que tuvo gran aceptación por toda la población de habla hispana.
Para la presentación de su disco Amore, Andrea realiza un concierto privado en Las Vegas, el cual lanza en DVD (Under The Desert Sky). Como parte de la presentación preliminar del álbum, Andrea es invitado a la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Invierno en Turín, Italia en donde interpreta el tema Because We Believe compuesto por él mismo y con música de David Foster. Recorre gran parte del mundo con su álbum Amore y salen a la venta Cavalleria Rusticana de Pietro Mascagni y Pagliacci de Leoncavallo, dos proyectos que desde 2001 había grabado. Steven Mercurio dirige estas óperas acompañado de la soprano Ana María Martínez en Pagliacci y la soprano Paoletta Marrocu en Cavalleria Rusticana.
Andrea celebra 15 años de carrera, a partir de 1992, y saca a la venta «Vivere: The Best Of Andrea Bocelli» una recopilación de sus más grandes éxitos con nuevos arreglos y con nuevas versiones de estudio. Además, el álbum sale en una versión en castellano donde se incluyen duetos con Laura Pausini en «Vive ya» y Dulce Pontes «El Mar y Tú». También se re-edita el concierto ante la Estatua de la Libertad en 2001 y se vende en una edición especial limitada.
Con gran actividad, Andrea ofrece un concierto inolvidable en el Teatro del Silenzio. Colabora en otras producciones como «Italia» de Chris Botti, dónde se graba un video en las calles de Italia. «Io Ci Saró» con Lang Lang y en «Conradiana» de Ennio Morricone.
2008
En enero sale a la venta el DVD/CD Vivere Live in Tuscany, una presentación digital en alta definición y con pistas bonus como «Domani», «Se la Gente Usasse il Cuore» y «Mille Lune, Mille Onde» grabada en vivo desde Lajatico.
Realiza su tercer concierto en el Teatro del Silenzio para presentar su nuevo álbum «Incanto» que incluye canciones clásicas italianas del cine como «Voglio Vivere Cosi», «Funiculí, Funiculá», «Mamma», «O Surdato Nnammurato», «Vieni Sul Mar», «Granada», «Non Ti Scordar di Me» y algunas más, álbum que muestra a un tenor maduro, con nuevas aptitudes y con apreciaciones distintas para ser parte de las leyendas operísticas. Sigue con varias participaciones en festivales como la Gala de Mascagni, Cavalleria Rusticana y presentaciones con el tenor Plácido Domingo. Finalmente cierra el año con presentaciones para la televisión y un concierto en la Catedral del estado de Campeche en México como parte del XII Festival Internacional del Centro Histórico de Campeche en el que se han presentado diversos grupos de música y artistas internacionales como Il Divo.
En vista del éxito que ha ganado mundialmente y a pesar de las duras críticas a las que se ha enfrentado durante distintas etapas de su carrera, Andrea Bocelli, se reconoce ya como una leyenda única por su repertorio Pop y Ópera, distinguiendo un ClassicalCrossover en el que se ha coronado como uno de los mejores de este género, junto a Sarah Brightman. Por las dimensiones discográficas, se puede recordar al éxito de Domenico Modugno en 1958 con «Volare»; sin embargo, este gran éxito no parece que vaya a afectar la filosofía de vida del tenor toscano ni a alejarlo de su familia, de sus amigos y del amor por la campiña toscana.
En 2009, realiza una nueva gira y llega a Sudamérica. Perú es uno de los países visitados y su recital capta a más de 20 mil personas y viaja a la República Dominicana presentando su gira Incanto el 30 de abril.
El 1 de marzo, Bocelli, junto con David Foster, fueron honrados por L.A. Italia Film, Fashion and Art Fest durante una ceremonia en Grauman’s Chinese Theatre, en Hollywood, en donde se mostró un documental de la vida y la carrera de Bocelli, titulado «The Story Behind The Voice».
En 2011 realizó una gira por Sudamérica pasando por Colombia, Venezuela, Argentina, etc, junto a la artista hispano-argentina Chenoa. En septiembre de ese mismo año encabezó un concierto en el Central Park. Contó con la participación especial de David Foster, Celine Dion, Tony Bennet, Chris Botti, etc. Interpretó canciones inéditas, como «New York, New York», «More», entre otras.
Al año siguiente, nuevamente con David Foster, empezó a trabajar en el CD Passione, que se lanzó a principios de 2013 y destacó el dueto con Jennifer López en la canción «Quizás, quizás, quizás». El CD estaba compuesto por canciones románticas, como «la vie en rose», «corcovado», entre otras.
En 2014 lanzó el CD «Manun Lescaut», que contó con Plácido Domingo como director de orquesta y a Ana María Martínez. El mismo año lanzó una colección de ópera, que contiene canciones clásicas que Bocelli interpretó a lo largo de su carrera.
En 2015 viajó a Miami Beach para celebrar, en un megaconcierto de muchos artistas, los 100 años de dicho lugar y, pocos días después, participó en un homenaje a Stevie Wonder.
El 30 de abril se emitió por televisión un concierto del tenor en Milán con motivo del apertura de la EXPO MILANO 2015. En mayo de este año realizó la gira llamada «il grande mistero», que consistió en propagar la misión de la familia según la Iglesia Católica ( pues el papa Francisco le encargó ese trabajo). La gira fue en casi toda Europa, aunque luego llevó la gira a Phidadelphia donde le cantó al Papa , junto a cantantes como Juanes, etc
El 31 de mayo, en «Bretaña tiene talento», anunció su nuevo álbum llamado «Cinema», el cual se lanzó el 23 de octubre e incluye el tema de la película «gladiador», » now we are free» en versión italiana y un dueto con Ariana Grande en «e piú ti penso».El CD se lanzó también en 2 versiones en español. El álbum incluye canciones de películas,como «Evita», y algunos musicales como «West side story»,entre otros.
Desde fines de noviembre se emite por TV un concierto del tenor presentando su último CD que contó con la ayuda de David Foster, y es titulado «il mio cinema».
En diciembre su último álbum Cinema se adjudicó como Disco de Oro.Dos meses después, en febrero, se convirtió en disco de platino al superar el millón de copias vendidas en todo el mundo, siendo su primer logro en 2016.
El 22 de abril lanzó una edición especial del último álbum que incluye «se» de la película «Cinema Paradiso», «prima di un addio» (la versión italiana de «historia de amor») de la película «Love story» y una versión solista de «No llores por mí Argentina» de «Evita».También incluye un concierto grabado con David Foster en el Dolby teather de Los Ángeles donde contó con la participación especial de Nicole Scherzinger y un dueto virtual con Ariana Grande.
El 23 de septiembre se confirmó que su CD recibió tres nominaciones para los premios Grammy latinos: mejor álbum pop tradicional, mejor álbum y mejor grabación («me faltarás» de «El cartero y Pablo Neruda»)
2018: Se espera un concierto de este artista en la Plaza Central de Villa de Leyva en Colombia.
En 1992, después de hacer audiciones con Zucchero, en el verano de ese mismo año, Andrea viaja a Turín para tomar clases con el ya retirado maestro Franco Corelli en esa época, lo escucha cantar «Che Gelida Manina» de Puccini, aria con la que lo acepta en sus clases, que terminan poco tiempo después llevándolo a tomar lecciones de canto con Bettarini, hasta que el maestro muere en 1997 a la edad de 83 años. En ese mismo año graba Viaggio Italiano en el que incluye destacadas arias como «Nessun Dorma» de Turandot, «Lamento di Federico» de L`Arlesiana, el «Ave Maria» de Schubert, «`O sole mio», «La donna è mobile» de Rigoletto, entre otras, y con el que empieza a ganar algunos premios a nivel mundial.
A pesar de haber perdido la vista, Andrea no se ve imposibilitado para poder actuar como los grandes tenores líricos, por lo que en 1998 tiene su primer acercamiento con el teatro, de febrero 18 al 25 de ese año, interpreta el papel de Rodolfo en La Bohème de Puccini que se lleva a cabo en el Teatro Communale de Cagliari, el director es Steven Mercurio, la Mimi a su lado estuvo representada por Daniela Dessi, y es transmitida por la RAI TV el 28 de febrero. En marzo del mismo año, graba el álbum operístico «Aria» en el que contiene arias de La Bohème, Rigoletto, Tosca, Carmen, Madama Butterfly, La Fanciulla del West, La Fille du Règiment, entre otras.
Un año después, en 1999, desde octubre 7 al 19 de noviembre, se dirige a los Estados Unidos de América para su debut en Werther de Massenet en la ciudad de Detroit, acompañado nuevamente del director Steven Mercurio. Él está animado por el público, pero criticado negativamente por la prensa.
El tipo vocal de Andrea es tenor lírico, y su rango vocal es de tres octavas: desde el Re2, en el tema Resta Qui, del álbum CIeli di Toscana, hasta el Re5, en el aria Possente amor, mi chiama de Verdi.
Vida personal
Conoció a su primera esposa, Enrica, con quien tuvo dos hijos, cuando cantaba en un piano bar al principio de su carrera. Se casaron el 27 de junio de 1992. Su primer hijo, Amos, nació en febrero de 1995. Su segundo hijo, Matteo nació en octubre de 1997. En 1998, Bocelli fue nombrado una de las 50 personas más bellas de la Revista People.
En 2002, Bocelli se divorció civilmente de Enrica, y obtuvo la nulidad matrimonial eclesiástica. Poco después conoció a Verónica Berti con quien contrajo matrimonio el 21 de marzo de 2014, eligiendo este día para coincidir con el comienzo de la primavera y el segundo cumpleaños de su hija Virginia, nacida en 2012. La pareja vive en Forte dei Marmi, y la ex esposa de Bocelli y su dos hijos viven en la residencia anterior de la pareja en la misma comuna, en Versilia.
El padre de Bocelli, Sandro Bocelli, murió el 30 de abril de 2000. Su madre le animó a que cumpliera sus compromisos y así cantó para el Papa en Roma el 1 de mayo y de inmediato regresó a su casa para el entierro. En su presentación del 5 de julio, la cual fue filmada para PBS American Dream—Andrea Bocelli’s Statue of Liberty Concert, Bocelli dedicó el encore Sogno a la memoria de su padre. Una sección del camino a lo largo de la playa en Jesolo, en la costa adriática italiana, fue nombrada en honor de Bocelli el 11 de agosto de 2003.
En 2006, Bocelli influyó en el municipio de su ciudad natal Lajatico para construir un teatro al aire libre, el Teatro del Silenzio. Bocelli se presentó sólo por una sola noche. Una noche, cada mes de julio el teatro se abrirá para presentaciones. El resto del tiempo permanecerá en silencio. Desde la apertura se han celebrado nueve conciertos desde 2006 hasta 2014. En 2015 dio 2 conciertos en el mes de julio con motivo de sus 10 años de fundación.
Andrea Bocelli se ha definido a sí mismo como un «ferviente católico».
En 2011 creó «Andrea Bocelli Foundation», una fundación cuyas acciones solidarias fueron motivo de muchos premios recibidos en los últimos años.
En 2015 cantó como un indigente en las calles de Nueva York para recaudar dinero a los más pobres.
El 7 de mayo de 2016, fue invitado por Claudio Rainieri al King Power Stadium que enfrento al campeón contra el Everton para celebrar el primer título del Leicester en la Premier League que había conseguido unos días antes, cantando el Nessun Dorma de Turandot.
En noviembre del mismo año se comenzó a rodar en Italia una película basada en su autobiografía «La música del silenzio», la cual protagoniza Toby Sebastian junto a Antonio Banderas, entre otros, y se estrenó en este país en septiembre de 2017.
El 20 de septiembre del 2018 lanzó su primer sencillo al lado de su hijo Matteo titulado «Fall On Me» misma que tiene una versión en español.
Además, ha sido galardonado con el Premio «Arte, Ciencia y Paz» en 2015, otorgado por Pier Franco Marcenaro, fundador del «Centro del Hombre» y de la «Escuela de Espiritualidad», por su arte «que eleva el espíritu y une a las personas más allá de todas las barreras de raza, nacionalidad o religión».
El diagnóstico de una enfermedad grave es un mazazo para cualquier persona sean cuales sean sus circunstancias. Si la sentencia le llega a una persona joven, casi recién casada, con una carrera profesional en ascenso en el exigente mundo del cine, digerirlo cuesta y mucho. No más que a cualquiera, pero sí tanto como a todos los que saben a ciencia cierta que su proyección profesional depende de su imagen, de la opinión de terceros que pueden aceptarte como vas a ser o arrinconarte para siempre.
Este ha sido el caso del actor Michael J. Fox quien una mañana de 1990 se despertó notando que el dedo meñique de su pie izquierdo se retorcía de forma incontrolada. Un año después llegó el diagnóstico a través de un neurólogo de Manhattan: párkinson de aparición temprana. Fox tenía 30 años, llevaba tres casado con la actriz Tracy Pollan y su primer hijo no había cumplido dos años de vida. Entonces el éxito de su papel protagonista en la saga Regreso al futuro auguraba una carrera con grandes posibilidades aunque el actor ya conocía las hieles de la crítica y el fracaso en taquilla. Ese día en el que cambió su vida Fox volvió a su casa y lloró mientras le contaba a su mujer el dictamen que acababa de recibir.
Veintiséis años después Fox recuerda ese momento y lo que siguió en una entrevista concedida a la revista People. “Es un diagnóstico raro”, explica a la revista Tracy Pollan, “no eres diferente a lo que eras ayer. Es algo fácil de olvidar porque nada cambia”.
Jamie J. Fox, que ahora tiene 57 años, se volcó en el trabajo. Cualquier papel era bueno para maquillar lo que sentía y después llegó el alcohol, esconder las botellas vacías de la vista de su esposa, refugiarse en la bebida para olvidar la enfermedad. “Me fui aislando de mi familia”, recuerda Fox en la entrevista. Pollan también reconoce que aquella situación pasó factura en el matrimonio: “Da miedo, no sabes cómo va a ser. Obviamente no vas a vivir así el resto de tu vida”, afirma Michael J. Fox.
El cambio llegó tras una noche de copas con los amigos en 1992. Fox volvió a su casa y cayó desmayado en el sofá con una lata de cerveza derramándose sobre la alfombra. Allí le encontraron al día siguiente su mujer y su hijo Sam, que entonces tenía tres años. “Miré lentamente a mi mujer de los pies a la cabeza esperando encontrarla realmente enfadada”, cuenta Fox en la entrevista, “pero no lo estaba. Estaba aburrida”.
Ella solo le preguntó: “¿Es esto lo que quieres?”. Y sin esperar su respuesta salió por la puerta de su casa. Aquella cerveza fue el último trago. El actor buscó ayuda en un terapeuta para aceptar que tenía que convivir con la enfermedad y cambio su forma de pensar sin resignarse. “Empecé a pensar que podía seguir adelante”, afirma, “que podía trabajar con otros pacientes y que podía permitir a mi familia que se preocupen por mí”.
La pareja celebró el pasado mes de julio su treinta aniversario junto a sus cuatro hijos, Sam, las gemelas Aquinnah y Shuyler que nacieron en 1995 y Esmé que nació en 2001. En este tiempo la carrera del actor no ha sido muy brillante pero ha ido encontrando su sitio y volvió a tener un papel relevante interpretando a un sibilino abogado en la exitosa serie The good wife. Pero sobre todo, desde que hizo público que padecía párkinson en 1998 se convirtió en ferviente promotor de la investigación de esta enfermedad y creó en 2000 la Fundación Michael J. Fox dedicada a buscar apoyo y financiación con la misma finalidad, entidad que según la revista Forbes es el segundo mayor donante para la investigación del párkinson en Estados Unidos. En 2007 la revista Time le nombró una de las 100 personas “cuyo poder, talento o ejemplo moral está transformando el mundo”, En 2010 recibió un doctorado honorario en medicina del Instituto Karolinska por su contribución a las investigaciones sobre párkinson y la misma distinción pero en leyes por parte de la Universidad de Columbia Británica.
Alguna vez ha reconocido que ha llegado a medicarse demasiado para afrontar con cierta dignidad una entrevista, pero tampoco dudó a la hora de protagonizar en 2006 una campaña publicitaria para una candidata al Senado de Estados Unidos donde dejó ver claramente los efectos de la medicación para el párkinson. Lo dice él mismo durante el encuentro con el entrevistador de People: “Es muy fácil ser optimista. Esta es mi vida. ¿De qué hay que quejarse”.
Nació con espina bífida, Fotheringham aceptó la vida en una silla de ruedas a los 8 años. Ahora, este intrépido joven de 26 años a quien llaman “wheelz” (ruedas) ha creado esencialmente un deporte nuevo en el que da vueltas en enormes rampas de 17 metros frente a multitudes que lo aclaman en estadios de todo el mundo. Aaron también se entretiene realizando diferentes trucos en pistas de skate.
Para Fotheringham, miembro de la iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días y recientemente casado en el templo de Las Vegas, la mejor parte es ayudar a los niños en sillas de ruedas lo emocionante que puede ser la vida. Por medio de su naturaleza amigable y sus trucos locos, “wheelz” está inspirando a persona que no conoce, incluyendo a una familia de Arizona.
“La vida en una silla de ruedas no es un callejón sin salida. Muchas personas ven las sillas de ruedas como un soporte médico que te disminuye la velocidad. ¿Cómo puede reducir tu velocidad? Es sobre ruedas,” Aaron Fotheringham declaró para Deseret News. “Una silla de ruedas no solo es un soporte médico, es una herramienta que te ayuda a tener éxito y es muy divertido.”
En una entrevista para ESPN en 2008, se le pidió a Fotheringham que definiera “espina bífida.”
“Una gran oportunidad,” respondió con una sonrisa.
Aaron es uno de los seis hijos adoptados de la familia de Steve y Kaylene Fotheringham.
Después de tener dificultad para desplazarse con aparatos ortopédicos o muletas durante sus primeros ocho años, Aaron Fotheringham le dio la bienvenida a las sillas de ruedas. Sin embargo, no quería que lo trataran de manera diferente a los demás niños, insistía en que no se veía a sí mismo como un discapacitado.
Poco tiempo después, en una pista de skate cerca de casa, el hermano mayor de Fotheringham, Brian, estaba montando una bicicleta BMX y animó a su hemano menor a “dejarse caer” en la rampa. Con mucho deseo de impresionar a su hermano, Aaron pensó, “¿por qué no?” a pesar de que la primera vez que lo intentó se cayó de cara, Fotheringham siguió intentando. Lo encontró divertido y mejoró, expresó.
Pasaron casi dos décadas y es impresionante lo que Fotheringham ha logrado desde entonces, “WCMX” (motocross en silla de ruedas).
En 2006, a los 14 años, Fotheringham consiguió con éxito la primera voltereta hacia atrás en silla de ruedas. Un video de este logro se hizo viral en YouTube.
En 2010, el niño conocido como “wheelz” consiguió la primera voltereta doble hacia atrás y comenzó a viajar por el mundo con el show “Nitro Circus Tour.”
Un año más tarde, esperaba intentar algo diferente, Aaron Fotheringham logró el primer salto mortal de frente.
En 2012, Fotheringham saltó un espacio de 15 metros y aterrizó a salvo al otro lado. “Para mí, eso era lo primero de la lista,” dijo.
Mientras observaba el mundo y hacía trucos con los mejores ciclistas y skaters de BMX, Fotheringham también consiguió patrocinadores para sus llantas, que se desgastaban rápidamente y una silla de ruedas más resistente y personalizada, diseñada para uso extremo, entre otros.
En el proceso de descubrir de su “conciencia del aire,” Aaron Fotheringham ha soportado su parte justa de choques y lesiones, como se muestra en sus videos. Es por eso que está listo para hablar más en público. “Es menos doloroso,” bromeó.
“Las lesiones suceden más de lo que me gustaría admitir,” Fotheringham afirmó. “Lamentablemente me he enfrentado a una gran cantidad de conmociones cerebrales, pero por suerte no tengo huesos rotos. Me he roto los dientes. La peor lesión fue haber sido noqueado.”
A pesar de tener 23 cirugías de espina bífida en su vida, Fotheringham siempre ha podido ver las ventajas, como los estacionamientos para discapacitados, dijo riéndose. En los momentos de desánimo, Aaron Fotheringham ha aprendido a confiar en su fe en el Salvador.
“Las personas me preguntaban, ¿Cómo tienes una actitud tan buena hacia la espina bífida?” Realmente, nunca lo entendí pero luego, pensé que la Expiación juega un papel más importante en nuestras vidas de lo que podríamos imaginar,” expresó Fotheringham, que ocasionalmente habla a la audiencia mormona sobre lidiar con la adversidad. “Cuando he tenido otras pruebas en mi vida, me he dado cuenta de que la Expiación no es solo para los pecados sino para ayudarnos con nuestras aflicciones y enfermedades. Eso ha sido muy importante para mí… y hace los limones un poco menos amargos.”
Lo que mantiene a “Wheelz” saltando es la descarga de adrenalina.
“Es la sensación de estar asustado pero también, el espíritu de logro después de haber superado esos miedos y terminar aterrizando en algo. Creo que eso es lo que me hace volver,” expresó Fotheringham. “Algo puede sentirse tan imposible, pero luego terminas aterrizando y es simplemente irreal.”
Lejos de las rampas, las cámaras y las multitudes que lo aclaman, Fotheringham contó que celebró su logro más grande a principios de este año cuando se casó con su novia, Charlee Wilson, en el Templo de Las Vegas.
Wilson vio por primera vez a Aaron Fotheringham desde lejos en una actividad de solteros mormones en 2017. Apenas acababa de regresar de servir en una misión mormona y era un poco tímida para acercársele así que le envió un mensaje por Instagram. Fotheringham respondió. Comenzaron a salir en setiembre del año pasado y se comprometieron para finales de octubre.
“Pensé que era muy guapo,” Charlee Fotheringham dijo sobre su primera impresión. “Era un poco intimidante saber que cualquier tipo de relación que tuviéramos seria pública. Eso fue lo único que me preocupó. Sin embargo, lo admiré por la manera en que trataba su discapacidad. Nunca lo detuvo. Eso me dio una idea de su carácter y lo admiraba mucho y realmente me atraía.”
Desde su boda en febrero, una de las cosas favoritas de Charlee Fotheringham es ver a su esposo pasear en una pista de skate con personas en sillas de ruedas y darles esperanzas para una vida más divertida y plena.
“Me encanta. Creo que esa es la parte más grandiosa del deporte que creó,” declaró Charlee. “No importa qué edad tengas, si eres joven o viejo, no importa. Sales y destrozas las pistas como un patinador o ciclista de BMX. Se divierten mucho.”
Los niños en sillas de ruedas que acuden a las clínicas de WCMX son tímidos al principio. Pero, una vez que pasean alrededor de la pista, una gran sonrisa aparece en sus rostros, afirmó Fotheringham.
“Es genial ver cómo se transforma su mente, de “no puedo hacerlo” a “espera un minuto, puedo patinar como un skater,” dijo Fotheringham. “Para mí, eso es lo más gratificante.”
Aaron Fotheringham recuerda con cariño el día en que un joven alemán le dijo, “ahora sé que mi vida no ha terminado.”
“Realmente eso me conmovió bastante,” Fotheringham declaró. “Quizá, a veces, no me doy cuenta del impacto que tiene porque simplemente estoy dando vueltas y divirtiéndome. Pero, realmente está cambiando la vida de las personas y les hace saber que este no es un callejón sin salida.”
Ese es el caso de Ryan y Amy Ensminger que viven en Phoenix y que solo han visto a Aaron Fotheringham en sus videos de YouTube.
Después de intentar tener hijos durante una década, la pareja de Arizona finalmente tuvo un hijo, Jackson que nació con espina bífida.
Cuando los Ensminger aprendieron más sobre la espina bífida, vieron un vídeo de “Wheelz” haciendo trucos en una pista de skate. Ryan Ensminger sintió una conexión inmediata con Fotheringham.
“Para mí, era tan inspirador ver todo lo que estaba logrando y en especial, cómo acepta lo que lo hizo diferente,” dijo Ryan Ensminger. “La espina bífida no le impidió disfrutar la vida.”
Jackson Ensminger, ahora tiene 6 años, es un gran fan de “Wheelz.” Sus padres lo han llevado a la pista de skate varias veces. Le pidieron una silla de ruedas de la misma empresa que produce las sillas de ruedas WCMX de Fotheringham. Esperan presentar a Aaron Fotheringham a su hijo en el futuro.
Gracias a Aaron Fotheringham y WCMX, los Ensminger han entrado a una comunidad completamente nueva de “personas increíbles.” Esto ha adoptado la actitud de que con un poco de creatividad, todo es posible para su hijo.
“Wheelz nos ha demostrado que no existen los límites para alguien en una silla de ruedas,” expresó Ryan Ensminger. “Como padre, ver a Wheelz me abrió los ojos para estar siempre consciente de crear oportunidades para que Jackson intente todo en la vida.”
Vujicic es también un destacado conferenciante que ha viajado alrededor del mundo contando su experiencia de vida e inspirando a miles de personas con mensajes de motivación y superación, desde un punto de vista de la fe cristiana. Él acredita a Dios el éxito de sus logros y la victoria sobre sus luchas personales. Además ha escrito cuatro libros.
Autobiografía
«Nací en Australia y doy gloria a Dios porque usó mi testimonio para tocar miles de corazones alrededor del mundo. Nací en 1982 sin extremidades y no hay una explicación científica para este defecto. He tenido que encarar cambios y obstáculos.
Me gustaba ir a la escuela y trataba de vivir como todos los demás, pero en mis primeros años enfrenté rechazos y burlas. Era muy difícil, pero con la ayuda de mis padres desarrollé aptitudes y valores que me ayudaron a aceptarme y avanzar. Sabía que yo era diferente por fuera, pero en mi interior era exactamente igual a los demás. En muchas ocasiones me sentía decaído y no quería enfrentar la realidad negativa. Hubo momentos en que caía en la depresión y el enojo porque no podía cambiar mi físico.
Aprendí que Dios nos ama a todos y cuida de cada uno de nosotros, pero no podía entender por qué me había hecho así si me amaba. Así que seguí con mi vida como es ahora y nadie puede cambiar lo que está hecho. Llegué a pensar en terminar con mis penas y mi vida.
Mis padres y mi familia, estuvieron siempre ahí dándome fuerza. Para contrarrestar mis problemas emocionales, de autoestima y soledad, Dios me movió a compartir mi historia y experiencias para ayudar a otros a enfrentar sus vidas y ver bendiciones en los obstáculos. Me animé a inspirar a otros a usar su potencial al máximo y alcanzar sus esperanzas y sus sueños.
Me apasiona llegar a la gente y ponerme en manos de Dios para lo que Él desee hacer, Él marca el camino y yo simplemente lo sigo.
Biografía
Infancia
Nick es el hijo primogénito del matrimonio de origen serbio formado por Dushka Vujicic y su esposo, el pastor evangélico Boris Vujicic. Nació en Melbourne, Victoria, el 4 de diciembre de 1982…
Su madre era una enfermera de nacionalidad australiana que debido a su trabajo sabía todas las medidas que debía tener durante su embarazo y tuvo especial cuidado del mismo. No obstante, el bebé nació con una agenesia, afectado del síndrome de tetraamelia, el cual se caracteriza por la carencia de las extremidades. Por lo mismo Nick nació sin brazos ni piernas; solamente tiene una pequeña formación o meromelia en el lado inferior izquierdo. Al principio sus padres se sintieron aterrados por su estado de discapacidad, pero agradecidos porque al menos Nick tenía salud.
Durante su época escolar, Nick y su familia (incluyendo su hermano y hermana menores) se mudaron de Melbourne buscando mejores oportunidades. No obstante, el estado de Victoria les prohibió que él asistiera a una escuela regular debido a sus discapacidades físicas, a pesar de que sus capacidades mentales siempre fueron totalmente normales.
Más tarde, las leyes del estado australiano cambiaron, y Vujicic se convirtió en uno de los primeros estudiantes discapacitados en integrarse a escuelas regulares.[1]Al ser molestado por sus compañeros en la escuela, debido a su discapacidad, Vujicic tuvo episodios de depresión durante su infancia, y cuando tenía alrededor de ocho años, pensó en suicidarse. A los diez años trató de ahogarse en la bañera, pero no se dejó morir por recordar el amor que le tenían sus padres.
Después de orar numerosas veces para que le crecieran brazos y piernas, se sintió finalmente agradecido por su vida, y eventualmente se dio cuenta de que él era único en la clase de retos que tenía que enfrentar, y que su vida podría inspirar a otras personas.
Carrera.
Vujicic se graduó con 21 años, especializándose en Contabilidad y Planificación Financiera. Comenzó sus viajes como orador motivacional, enfocándose en los temas que la juventud de hoy en día debe enfrentar. También, da charlas para el sector corporativo, aunque su enfoque es ser un orador motivacional internacional también para comunidades no religiosas. Viaja con regularidad a distintos países para hablar en congregaciones, escuelas y grandes congresos.
A la edad de 25 años, Vujicic quiso ser económicamente independiente. Deseó promocionar sus palabras mediante el show de Oprah Winfrey. Su primer libro, que completó a finales del 2009, se tituló “No Arms, No Legs, No Worries!” (¡Sin brazos, Sin Piernas, Sin Preocupaciones!)
Un DVD, “El gran propósito de la vida”, está disponible en su sitio web, Life Without limbs. La mayor parte de este DVD fue grabada en 2005, incluyendo un breve documental sobre su vida hogareña y cómo hace cosas normales sin extremidades. La segunda parte del DVD fue grabado en Brisbane, y fue una de sus primeras convenciones motivacionales.
Su DVD “No Arms, No Legs, No Worries!” está disponible en la red mediante su corporación de oración motivacional “Attitude is Altitude” (Actitud es Altitud).
La primera entrevista mundial en televisión de Vujicic, promocionada en 20/20 (ABC) con Bob Cummings, fue transmitida el 28 de marzo del 2008.
Vujicic también entrevistó a la surfista Bethany Hamilton, quien a pesar de no tener un brazo logró ganar en una competencia nacional.
En febrero de 2012 contrajo matrimonio con Kanae Miyahara, una joven de padre japonés y madre mexicana. El primer hijo del matrimonio, Kiyoshi, nació en febrero de 2013 completamente sano, al igual que los menores Dejan, nacido en agosto de 2015, y las gemelas Olivia y Ellie nacidas en diciembre de 2017.
En 2013, participó en un film cristiano evangélico llamado «Hope for hurting hearts«, donde se documentan las experiencias cristianas de Vujicic, junto a la historia del cantante Jeremy Camp, y el pastor Greg Laurie. El film es narrado por James Dobson
Life Without Limits
La organización Life Without Limits, que Vujicic fundó en el 2005, está comprometida con dar motivación e inspiración a las personas sin extremidades, mediante discursos alrededor del mundo.
Habla de temas como el miedo, el rechazo, la depresión, el sufrimiento e incluso las oraciones sin respuesta. Las charlas se dan en ambientes no cristianos como colegios y otros lugares públicos.
Apareció en un documental sobre su vida en “Body Shock”. El documental se llama “Nacido sin extremidades” y fue transmitido el 5 de mayo de 2008.
Libros
«Un corazón sin fronteras» (2014)
«Un espíritu invencible: El increíble poder de la fe en acción» (2012) – (Unstoppable: The Incredible Power of Faith in Action)
«Una vida sin límites: Inspiración para una vida ridículamente feliz» (2010) (Life Without Limits: Inspiration for a Ridiculously Good Life)
«Amor sin límites» (2015)
«Un Alma Valiente: Descubre la fuerza que hay en ti para vencer el bullying (y otras adversidades).» (2014)
Pablo Echenique nació en Rosario (Santa Fe, Argentina) el 28 de agosto de 1978. Llegó a España cuando tenía 13 años y se estableció en Zaragoza, donde vivía con su madre Irma y su hermana Analía. Sufre atrofia muscular espinal, una enfermedad hereditaria y degenerativa, desde que era apenas un bebé. Por esta razón, tiene una discapacidad del 88 %y se desplaza en silla de ruedas. En palabras del propio Echenique, «Tengo poca fuerza, puedo mover todo, pero poco» Su discapacidad fue una de las razones por las cuales su familia emigró a España. El 9 de agosto de 2012 se casó con María Alejandra Nelo Bazán, venezolana a la que había conocido en la universidad cuando aquella estudiaba el doctorado.
Carrera científica.
Echenique se licenció en Ciencias Físicas en 2002 y obtuvo el doctorado en la Universidad de Zaragoza cuatro años después presentando su tesis A bottom up physical approach from small peptides to proteins, calificada con sobresaliente cum laude. Investigó con una beca posdoctoral en el Instituto de Biocomputación y Física de Sistemas Complejos de la Universidad de Zaragoza. En 2008 obtuvo el premio Romper Barreras por la adaptación de su despacho en la universidad. En 2009 fue científico titular del CSIC en el Instituto de Química Física Rocasolano. También es colaborador extraordinario en el departamento de Física Teórica de la Universidad de Zaragoza.
Periodismo y discapacidad
En diciembre de 2012 comenzó a escribir en eldiario.es el blogDe retrones y hombres junto con Raúl Gay, intentando romper estereotipos sobre el mundo de la discapacidad (el término «retrón» es un neologismo acuñando por Echenique y Gay para referirse a las personas con discapacidad, aunque Echenique utiliza también frecuentemente el apelativo «cascao»). Una de sus contribuciones en el blog, Discapacitado y más feliz que tú… sí, que tú, recibió en 2014 el premio Tiflos de Periodismo en la categoría de Periodismo Digital otorgado por la Organización Nacional de Ciegos Españoles (ONCE). El jurado destacó que «el protagonista se convierte en la voz de la red, con una opinión novedosa que lo sitúa en una perspectiva nueva, que agita el debate, genera discusión, mueve a la reflexión, con un lenguaje directo y vehemente».
Carrera política
Tras haber militado brevemente en Ciudadanos-Partido de la Ciudadanía, Pablo Echenique se unió al partido Podemos desde su creación en enero de 2014, participando en la creación del Círculo Discapacidad[] y presentándose como candidato en las primarias para elegir la lista para las elecciones europeas. Echenique fue el cuarto candidato más votado[] quedando finalmente en quinta posición[] por haberse acordado que hombres y mujeres se alternarían en la candidatura.[] Los resultados de las elecciones dieron a Podemos cinco escaños, gracias a lo cual Echenique fue elegido eurodiputado. Según declaró, sus prioridades serían la discapacidad y la ciencia.
En febrero de 2015 fue elegido primer secretario general de Podemos en Aragón mediante un proceso de primarias abiertas con cerca del 75 % de los votos.[] Tras renunciar a su acta de europarlamentario fue elegido diputado en las Cortes de Aragón, cargo que ejerció hasta junio de 2017.
El 18 de marzo de 2016 Pablo Iglesias lo propuso para el puesto de secretario de Organización de Podemos en España, en sustitución de Sergio Pascual, cargo al que accedió el 2 de abril de 2016 por unanimidad del Consejo Ciudadano.
El 2 de junio de 2017 fue reprobado en el Ayuntamiento de Zaragoza tras ser multado por la Inspección de Trabajo y Seguridad Social por la contratación irregular de un asistente personal. La moción, presentada por el PP, salió adelante con los votos de este partido, de Ciudadanos y de CHA, mientras el resto de partidos de la corporación municipal se abstuvieron.
Tras los malos resultados de Podemos en las elecciones de abril y de mayo de 2019, Alberto Rodríguez Rodríguez lo sustituyó el 5 de junio al frente de la secretaría de organización de Podemos.
¿Qué queda de aquél chico de portada de hace 15 años?
He hecho muchas cosas: una película, dos libros, un programa de televisión. Entonces quedaba todo por hacer en visibilidad de la diversidad, pero yo no he cambiado tanto. Ahí estaba poco hervido, era un chavea, un pipiolo, un niño grande, y sigo siéndolo. Tenía y tengo el mismo sentido del disfrute, pero ahora tengo más mundo.
¿Ha pasado la crisis de los 40?
Soy poco de crisis. Soy inasequible al desaliento. La palabra rendición no entra en mi vocabilario. Puedo tener algún bajón, pero enseguida saco pecho y tiro para adelante. Para eso soy leo.
No hace falta que lo jure.
Sí. Soy mucho de aquí estoy yo, y si no estoy, me busco y me encuentro. Tengo mucho amor propio y siempre he tenido un gran concepto de mí mismo. He vivido siempre luchando, nadando contracorriente, como los salmones.
Vaya par de dos
Pablo Pineda (Málaga, 44 años) es maestro y da conferencias sobre diversidad a empresarios. Ahora protagoniza con el rapero El Langui el espacio ‘Donde comen dos’, de TVE, donde recorren restaurantes de toda Espala y proyectos de integración de personas discapacitadas y se ríen hasta de su sombra. Sobre todo de su sombra.
Mi parte no es pequeña, Y más que la mía, la de mis padres. Cuando nací, dijeron que iba a ser como mis hermanos. Los héroes son ellos, porque en aquella época hablar de integración era ciencia ficción. Apostaron por educarme, formarme y hacer de su hijo una persona. Y podrían haberme dejado en casa, esconderme y sobreprotegerme como un jarrón. En aquella época se permitía.
Ahora podrían ser denunciados por abandono.
Sí, y eso es muy grande.
En su programa con ‘El Langui’, ambos bromean sobre su discapacidad. ¿No se molestan?
Nos reímos de nosotros mismos. La hipercorrección política no es buena, hay que darle naturalidad a las cosas. Se puede llamar a las cosas por su nombre con respeto y no esconderse en eufemismos que sobreprotegen aún más.¿Por qué vamos a decir invidentes si se puede decir ciegos?
¿Y usted qué es?
Una persona.
Me decía Gloria Ramos, la actriz de ‘Campeones’, que a su madre le preocupaban sus novios.
Porque a las madres no les gusta que sus hijos sufran. Sean como sean y tengan la edad que tengan. Yo soy muy enamoradizo, y mi madre me dice, cuidado con las chicas, no te embales.
¿Ha tenido muchas novias?
No, ese es el problema. Que yo me enamoro y ellas menos.
¿Le han roto el corazón?
Ese es el tema. Y ahí es donde mi madre sufre. Porque yo soy un magdaleno. Soy muy sensible y muy romántico, muy chapado a la antigua y lloro enseguida.
¿Llora o ríe más en la vida?
Río. He llorado sobre todo por amor. Por las palabras. Te pueden decir: ‘no te correspondo’. Pero es que admás te dicen: ‘no quiero herir tus sentimientos’, y eso duele aún más. Las chicas normales, entre comillas, no saben tratar a una persona con discapacidad.
¿Por miedo a herirla?
Porque para entender estos temas, tienes que ser una mujer hecha, haber pasado avatares en la vida. Las chicas jóvenes, que tienen una corte de chicos detrás, no ven al distinto. Ven al discapacitado, no a la persona.
Y a usted le gustan esas.
Claro, el problema es que subo el listón. Me enamoro de las de arriba, ellas no suelen bajar, y me quedo ahí, en tierra de nadie.
Bueno, para las separadas de 50 años ligar también es difícil.
Los separados de 50 años y los síndrome de Down estamos en la medianía y al márgen. Nos sacan del mercado. Y no nos comemos un colín. Estamos fuera del club.
Algún colín se habrá comido
Hombre, le he caído bien a alguna chica. Tampoco hay que dramatizar. Cuando venga, vendrá.
Mientras tanto, se pone ciego en su programa de tele. ¿Es más de espumas o de chuletones?
Donde se ponga una morcilla, que se quite una espuma. Eso para una fiesta. O un cóctel. Un cóctel es horroroso y aburridísimo. Esas bandejitas pasando siempre con lo mismo, la piruleta de kikos. Tráeme un entrecot, hombre.
¿Qué ve en los ojos de la gente en los cócteles? ¿Pena? ¿Apuro?
Depende. Antes, me hablaban raro, como si fuera un niño. Ahora no, desde que hice la película, soy el actor. Pero yo soy muy psicólogo, me fijo mucho en la mirada y sé perfectamente lo que estás pensando.
Pues dígamelo a la cara.
Por las preguntas que me has hecho y por cómo me estás mirando, creo que me ves como una persona, como un igual. Me preguntas lo mismo que le preguntarías a otra persona. Como me miró Sol alameda.
Pablo Pineda Ferrer (Málaga, 5 de agosto de 1974) es un maestro, conferenciante, presentador, escritor y actor español.
Es diplomado en magisterio y le faltan pocas asignaturas para ser licenciado en psicopedagogía. Por esta labor es reconocido fundamentalmente, ya que es el primer europeo con síndrome de Down en terminar una carrera universitaria.
A los 6 o 7 años, conversa con un profesor universitario, Miguel López Melero, fundador del Proyecto Roma, que le hace tomar por primera vez conciencia de ser una persona con síndrome de Down pero que eso no le va a incapacitar para seguir estudiando. A partir de ese momento es educado según el modelo educativo del Proyecto Roma.
Pineda vive en Málaga. Da conferencias y ponencias sobre la discapacidad y su experiencia a lo largo y ancho del mundo, sobre todo, para quitar prejuicios y aumentar el conocimiento y el respeto a la diferencia.
Trabajó de 2003 a 2006 en el ayuntamiento de su ciudad como preparador laboral de personas con discapacidad, entre otras tareas.
Da ponencias con la fundación Lo que de verdad importa desde el año 2010.
Viene trabajando desde 2010 con la Fundación Adecco, llevando a cabo tareas de sensibilización y formación para el público empresarial y la sociedad en general.
Recientemente ha desarrollado jornadas de sensibilización internacionales en diferentes países como Colombia, República Dominicana, Ecuador, y en países de Europa. Estas actividades las desarrolla en conjunto con la Fundación Adecco para la que trabaja.
En 2013, publicó un libro: El reto de aprender de la Editorial San Pablo y se inauguró la «Glorieta Pablo Pineda Ferrer», en Málaga, cerca de su casa. También ese año presentó el programa de la televisión española de La 2 Piensa en positivo de la productora Viento y Agua Films.
En 2015 publicó su segundo libro: Niños con capacidades especiales: Manual para padres de la editorial Hércules de Ediciones.
PSICOLOGIA SIN LIMITACIONES 